Aujourd’hui, c’est la Journée nationale de la musique de film, qui récompense les chefs-d’œuvre musicaux du cinéma et, plus particulièrement, les talentueux compositeurs qui les créent.
L’un de ces talents était le récemment décédé Le maestro japonais Ryuichi Sakamoto, qui a composé près de 50 musiques de films au cours de son illustre carrière. La perte d’un titan comme Sakamoto nous rappelle que nos films préférés ne seraient pas aussi mémorables ou aussi précieux sans le travail d’un compositeur, dont le travail consiste à renforcer l’émotion, à élever l’intensité de l’action à l’écran et à compléter les thèmes par aiguisant nos sens.
La partition musicale ne fait pas seulement partie intégrante du cinéma ; c’est l’âme même d’un film.
Alors, pour célébrer à la fois la Journée nationale de la musique de film et honorer le travail de Ryuichi Sakamoto, voici notre liste des meilleures musiques de films depuis 2010.
LE RÉSEAU SOCIAL – Trent Reznor et Atticus Ross (2010)
Le cinéaste David Fincher a collaboré (et pas pour la dernière fois) avec les membres de Nine Inch Nails Trent Reznor et Atticus Ross pour son film sur Facebook en 2010. Les deux musiciens ont accepté de s’essayer à la musique de film, et le résultat est vraiment unique. . En ne se conformant pas aux approches de notation traditionnelles, ils ont fait une sélection innovante, inquiétante et palpitante de morceaux composés de mélodies de piano et de claquements de synthétiseur qui complètent parfaitement la trajectoire du protagoniste central, le fondateur de Facebook, Mark Zuckerberg, qui écrase sans pitié tout le monde sur son chemin vers le succès perçu. Il a remporté l’Oscar 2011 de la meilleure musique originale, et Reznor et Ross ont continué à marquer le film criminellement sous-estimé de Fincher. La fille au tatouage de dragon (qui a remporté un Grammy bien mérité en 2012), Fille disparue et homme.
TRON : L’HÉRITAGE – Daft Punk (2010)
Une autre vedette du début des années 2010 est venue du duo house français Daft Punk, aujourd’hui dissous. Leur score était si bon qu’il s’agit d’une sorte d’anomalie sur cette liste, car le score éclipse le film lui-même, gardant le film en vie plutôt que de le compléter. Les paysages sonores de la paire ont rendu la suite de science-fiction tardive de Disney au film culte de 1982 beaucoup plus mémorable que le film ne l’est en réalité. Les pépins de synthé accrocheurs et les rythmes électro palpitants sont brillamment mariés à des cordes d’inspiration classique et de mauvaise humeur jouées par un orchestre de 85 musiciens, avec des morceaux comme « Recognizer », « Derezzed » et « Tron Legacy (End Titles) » qui se démarquent. Daft Punk a prouvé qu’ils étaient de dignes compositeurs de films, transportant avec succès le public dans le monde du jeu vidéo. C’est dommage qu’ils n’aient marqué qu’un seul film.
SOUS LA PEAU – Mica Levi (2013)
La première composition cinématographique de Mica Levi a établi l’auteur-compositeur, compositeur et producteur anglais comme l’un des nouveaux talents les plus excitants du secteur. Pour Jonathan Glazer Sous la peau, Levi a créé quelque chose de primitif et profondément inconfortable, utilisant des sons de synthé, des percussions et des cordes tourbillonnantes pour refléter la nature mystérieuse et extraterrestre du protagoniste central du film, joué par Scarlett Johansson. Tour à tour belle, abrasive et décousue, cette partition expérimentale est un voyage dans les abysses, une sombre plongée qui n’est pas du goût de tout le monde. Cela imprègne le film d’un sentiment palpable d’oppression et vous entraîne à percer ses mystères. Vous ne trouverez pas un paysage sonore de film récent aussi angoissant ou aussi inoubliable que celui-ci, une partition qui – plutôt à juste titre – se logera sous votre peau.
LE REVENANT – Ryuichi Sakamoto, Alva Noto, Bryce Dessner (2015)
Nous arrivons au regretté compositeur japonais Ryuichi Sakamoto, qui a composé la musique du film oscarisé d’Alejandro G. Iñárritu Le revenant aux côtés de la musicienne électronique allemande Alva Noto et de Bryce Dessner de The National. Iñárritu s’est engagé à garder CGI hors de Le revenant et utilisé la lumière naturelle sur le plateau. La partition reflète cet attachement au naturalisme, car Sakamoto privilégie la simplicité pour évoquer l’immensité de la nature et la dureté de la désolation ressentie par le protagoniste central du film (le trappeur de fourrure de Leonardo DiCaprio laissé pour mort). Tout au long de sa carrière, Sakamoto a brillamment composé des partitions immaculées et mémorables, et cette œuvre de 2015 n’est pas différente. Il luttait contre un cancer de la gorge pendant le tournage de Le revenant – pas que vous puissiez dire compte tenu de son travail ciblé – et la partition, plutôt injustement, a été jugée inéligible pour les Oscars 2016 de la meilleure musique originale, car elle a été jugée “assemblée à partir de la musique de plus d’un compositeur”. Leur perte. Cela reste l’une de ses plus grandes réalisations en fin de carrière aux côtés de son score pour 2019 sous-vu Proxima et années 2020 Minamata.
ARRIVÉE – Jóhann Jóhannsson (2016)
Comme Sous la peau, Arrivée est l’un des films de science-fiction les plus révolutionnaires de ces dernières années. Les deux ont des partitions tout aussi distinctives, celles qui évoquent le même sentiment d’admiration ressenti par les protagonistes et les téléspectateurs. Le réalisateur Denis Villeneuve a fait équipe une fois de plus avec le regretté compositeur islandais Jóhann Jóhannsson, après 2013 Les prisonniers et 2015 Sicario partitions, et ses compositions audacieuses comportent des boucles de piano et des éléments électroniques. La partition sonne comme si elle était descendue du ciel avec les vaisseaux spatiaux extraterrestres. Jóhannsson est décédé en 2018 à Berlin à l’âge de 48 ans, et Arrivée se présente comme l’une de ses œuvres les plus durables. Il a été jugé frustrant inéligible pour une nomination aux Oscars parce que le film comprend la pièce préexistante (et magnifique) de Max Richter “On The Nature Of Daylight”, mais il ne fait aucun doute que cette bande originale est l’une des meilleures du 21e siècle.
CLAIR DE LUNE – Nicholas Britell (2016)
Nicholas Britell s’est imposé comme l’un des compositeurs phares de ce siècle, avec son travail sur la musique de Steve McQueen 12 ans d’esclavagecelle d’Adam McKay Le grand courtle score de HBO Succession, et surtout sa collaboration avec le cinéaste Barry Jenkins. Les deux ont uni leurs forces à la fois sur l’oscarisé Clair de lune et Si Beale Street pouvait parler, et ce n’est pas une hyperbole de dire que les deux artistes créent ensemble une beauté transportive. Alors que ce dernier aurait fait une belle entrée dans cette liste, se sentant comme un chaleureux câlin de Miles Davis, Clair de lune se démarque par sa partition plus froide mais non moins poétique. Il est ouvert et cathartique, et a pour noyau la composition “The Middle Of The World”, une pièce étonnante dont les cordes classiques dessinées avec sensibilité englobent l’évocation du film de l’amour, de l’acceptation et de la découverte de soi.
LA FORME DE L’EAU – Alexandre Desplat (2017)
Le compositeur français Alexandre Desplat n’a pas été en reste ces dernières années, avec onze nominations aux Oscars à son nom depuis 2007, remportant deux victoires pour Le Grand Budapest Hôtel et La forme de l’eau. Sa somptueuse musique pour le film de Guillermo del Toro de 2017 a un air romantique à l’ancienne, qui rappelle parfois la saveur gauloise de la partition de Yann Tiersen pour Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain. Son travail sur La forme de l’eau capture parfaitement le cœur de la touche magique de del Toro, à la fois dans la fantaisie enfantine et dans l’obscurité pleine de suspense. Les mots ne rendent pas justice à sa beauté. Desplat a de nouveau fait équipe avec del Toro l’année dernière pour son Pinocchioet son travail sera entendu cette année dans Wes Anderson’s Ville d’astéroïdes (ayant déjà marqué chacun de ses films depuis 2009 Fantastique M. Fox) et de Greta Gerwig Barbie (ayant également marqué le brillant du cinéaste Petite femme). Nous ne pouvons pas attendre.
FIL FANTÔME – Jonny Greenwood (2017)
Le guitariste de Radiohead et polymathe musical Jonny Greenwood s’est fait un nom comme l’un des compositeurs cinématographiques les plus recherchés depuis sa partition anxiogène pour Paul Thomas Anderson. Il y aura du sang en 2007. Leur collaboration de plusieurs décennies a produit des chefs-d’œuvre, notamment Le maître en 2012 et Vice inhérent en 2014. Pour les PTA romance tordue Fil fantôme, Greenwood a capturé majestueusement le cadre luxuriant du monde de la haute couture à Londres des années 1950 : les pianos, les violoncelles et les cordes conspirent tous pour façonner quelque chose d’élégant et de rêveur. Cependant, tout comme le film, il cache quelque chose de beaucoup moins réconfortant en son cœur. Comme la relation des protagonistes centraux, Fil fantôme La musique de est douce, excentrique et inquiétante, une œuvre d’une beauté troublante qui se rapproche le plus d’entendre Bernard Hermann composer une romance classique avec une touche perverse. Et si vous aspirez à plus de Greenwood, recherchez ses partitions pour Lynne Ramsay Tu n’as jamais vraiment été là (2017), de Pablo Larraín Spenceret de Jane Campion Le pouvoir du chien.
SUSPIRIA – Thom Yorke (2018)
Alors que Jonny Greenwood s’est fait un nom en tant que compositeur de films extraordinaire au fil des ans, son coéquipier de Radiohead, Thom Yorke, a également décidé de l’essayer. Il a eu sa chance avec la réimagination de Luca Guadagnino de Suspiria. Ce n’est pas une mince tâche, car la bande-son instantanément emblématique de Goblin pour l’original de 1977 de Dario Argento a quelque peu changé la donne. Tout comme le film, Yorke est allé dans une direction opposée et plus déstabilisante, évoquant une succession de compositions orchestrales et de ballades étranges qui ressemblent souvent (de manière distrayante) à des morceaux inédits de Radiohead de leur dernier album à ce jour, “A Moon Shaped Pool” de 2016. En fin de compte, il faut un certain temps pour s’habituer au film riche en couches et à la bande-son troublante, mais avec des visionnages et des écoutes répétés, il est évident que le millésime 2018 était non seulement radicalement différent, mais aussi plus riche et, osons-nous le dire, supérieur.
JÁR – Hildur Guðnadóttir (2022)
Pour notre dernière entrée, ce devait être Hildur Guðnadóttir, l’un des plus grands compositeurs actuellement en activité. Cela aurait pu être le travail époustouflant de Guðnadóttir sur 2019 Joker, avec les arrangements de cordes étranges du maître islandais et l’utilisation du Halldorophone (un violoncelle électro-acoustique) complétant le sentiment de malaise du film. Mais parce que la réalisation de Todd Phillips (et le film dans son ensemble) n’a jamais réussi à atteindre le travail sombre et lugubre de Guðnadóttir, il s’agit d’un autre film de Todd – Todd Field’s Le goudron. La partition du film nominé aux Oscars a été présentée sous forme d’album conceptuel, composé de 20 titres sélectionnés, composés et produits par Guðnadóttir. Avec des contributions de Cate Blanchett et de la violoncelliste Sophie Kauer, et des performances de Dresden Philharmonic, London Contemporary Orchestra et London Symphony Orchestra, la partition met parfaitement en évidence l’ambiance troublante de ce qui est essentiellement une histoire de fantômes – ou du moins l’histoire d’une hantise. Non seulement le personnage de Lydia Tár est hanté par les fantômes de son passé et la tempête de construction qui menace sa carrière et sa vie personnelle, mais elle est également tourmentée par sa nature obsédée par elle-même. Ces hantises aux multiples facettes sont élégamment reflétées à travers des sons qui servent à donner à ce film des couches supplémentaires. C’est l’exemple parfait de la musique renforçant le poids thématique d’un récit, montrant que les partitions, lorsqu’elles sont bien faites, fonctionnent à l’unisson total avec les images qu’elles non seulement complètent mais enrichissent.
